Sebbene la trama del film possa far pensare a qualche nesso, anche tracciato a posteriori, con le vicende che hanno portato i transessuali alla ribalta della cronaca, non è così. Anzi, in realtà, per arrivare ad avere qualche “soddisfazione” dalla storia di vita di Enzo e Mary occorre avere pazienza e saper aspettare quasi un’ora, nel corso della quale incappiamo solo in indizi, reperti e ricostruzioni sommarie. Il quadretto familiare con cani che si ricompone verso la fine, però, oltre a ripagare un bisogno di storie e di personaggi, si salda con tutto quello che è venuto prima e gli conferisce una coerente unità: Enzo e Mary sono due volti dolenti tra i tanti che popolano le vie della città vecchia, ai margini non solo della società ma anche di questo tempo. Per questo, le immagini dei cineamatori genovesi che testimoniano i luoghi e la vita della città nel corso del ‘900 restituiscono una collocazione a questa storia privata. L’operazione è tra l’altro simile a quella di Radio Singer di Pietro Balla, presentato sempre al Torino Film Festival nella sezione Italiana.doc: in questo caso il commento sonoro alle immagini di repertorio è costruito (o ricostruito o addirittura riscritto, ma, come già per Radio Singer, non ha importanza) a partire dalle audiocassette che Enzo e Mary si scambiavano come corrispondenza dal carcere, e il fluido accostamento tra i due materiali conserva un margine di mistero fino allo scioglimento finale. È proprio alla fine che si manifesta il coraggioso rigore del regista, classe 1976: sembra che Pietro Marcello abbia resistito alla tentazione di abusare della prestanza incredibilmente cinematografica dei suoi due protagonisti, che abbia saputo rinunciare lucidamente al superfluo (seppur piacevole) per mantenere la rotta del suo film, a differenza, ad esempio, di Come mio padre di Stefano Mordini – sempre TFF, sezione Festa mobile – che un po’ sbanda sull’onda della fascinazione per le storie e i volti scovati negli archivi. La bocca del lupo, invece, lascia Enzo e Mary al loro sogno bucolico e punta a un epilogo letterario, che si riallaccia al prologo, tra la poesia di Franco Fortini e il romanzo verista di Remigio Zena che dà il titolo al film: con questo respiro più ampio comprende così la sorte di tutti i disperati della città, cui non resta che stringersi attorno a un fuoco o a un focolare.

Questo è un commento “a caldo”.

Nella foto, una scena tratta da "La bocca del lupo" di P. Marcello

Ad aggiudicarsi l’ambita vittoria della ventisettesima edizione del Torino Film Festival è La bocca del lupo, primo lungometraggio di Pietro Marcello. Il film narra la vera storia d’amore tra un uomo, Enzo, che dopo trent’anni esce dal carcere, e Mary, un’attempata transessuale. Sullo sfondo di una Genova impercettibile, i due si conoscono in prigione dove Enzo ha conseguito un diploma da elettrotecnico e Mary ha scontato una pena leggera. Mary aspetta Enzo per 7 anni e ora vivono insieme, sempre nella vecchia Genova.

Il film è stato commissionato dalla Fondazione Marcellino dei Gesuiti di Genova, la quale – colpita dal precedente lavoro di Marcello, Il Passaggio della Linea, premiato alla 64sima edizione della Mostra Internazionale del Cinema di Venezia, ha deciso di affidare la regia di La bocca del lupo a Marcello.

“La vera notizia – ha detto uno dei produttori del film, Dario Zonta – non è tanto che questo film abbia vinto, quanto che sia stato messo in concorso da Gianni Amelio. Non è una fiction, come gli altri in concorso, né un documentario, è altro cinema. Ai quali, dopo oggi, è stata aperta la porta nei festival. Ecco forse perché è il primo film italiano che ha vinto il Tff. Perché ha spaesato”.

La bocca del lupo, in effetti, ha spaesato per una lunga lista di motivi: oltre ad essere innovativo nei modi e nella tecnica (dietro c’è un notevole lavoro d’archivio che ha permesso di raccontare la vecchia Genova con pezzi di repertorio), è un film a basso costo, costato intorno ai 100.000 euro. Ad occuparsi della distribuzione della pellicola saranno la Bim e Rai Cinema, che lo “faranno girare” sia in sala sia sul piccolo schermo.

Una piccola grande vittoria che ci dà molto da sperare per il futuro del nostro cinema.

Al prossimo festival!

Una scena tratta dal film "Get Low" di A. Schneider

Tennessee, anni Trenta. Il vecchio (decrepito) Felix Bush (Robert Duvall) vive da 40 anni isolato come un eremita. In paese le ragioni del suo isolamento sono ormai divenute leggenda e tutti lo temono e lo schivano. Un giorno Felix si presenta all’impresario di pompe funebri Quinn (Bill Murray), determinato a comprarsi un “live funeral party”, ad assistere da vivo al proprio funerale, al quale inviterà chiunque conosca una storia sul suo conto.

Get Low è il primo lungometraggio del premio Oscar (per il cortometraggio Two soldiers) Aaron Schneider ed è stato presentato in concorso al Torino Film Festival. Lo smalto iniziale del film ricorda quello coriaceo dell’Eastwood di Gran Torino o del Tommy Lee Jones de Le tre sepolture, e il “grande vecchio” Robert Duvall si muove ostinato e mortifero come i protagonisti di quei film, trascinandosi il suo carico di scheletri nell’armadio. Anche lo humour delle prime scene con il prezzolato Bill Murray è nerissimo e ben serrato.

La coscienza dell’approssimarsi della morte diventa per Felix Bush l’improrogabile occasione per una resa dei conti (get low, in inglese) che metta sul piatto la colpa e la sua espiazione. Ristabilendo finalmente la verità dei fatti sui pettegolezzi (che per i devoti della comunità sono la «radio del demonio»), si fissa una volta per tutte la corretta mitologia da tramandare ai posteri. Mitologia che purtroppo si scioglie in un’unanime assoluzione in toni edulcorati da Signora del West, come un po’ a tradire le allettanti premesse del film.

Una scena tratta da "Le Refuge" di F. Ozon

Sempre nella sezione Festa mobile del TFF, la stessa di Come mio padre di Stefano Mordini, un altro film si misura con le condizioni di possibilità della procreazione. In particolare, a dire il vero, il nuovo film di Ozon, Le refuge, come già il suo precedente Ricky – Una storia d’amore e libertà, si accosta al soggetto dell’essere genitori a partire dal versante femminile, dalla maternità e dal periodo della gravidanza.

La protagonista, la tossicodipendente Mousse (Isabelle Carré, davvero incinta), inspiegabilmente sopravvissuta a un’iniezione di eroina tagliata male, al risveglio dal coma apprende simultaneamente che il fidanzato Louis è morto per overdose e che è incinta del loro bambino. Nonostante le pressioni della famiglia di lui affinché abortisca, Mousse si rifugia in un paese di mare per portare a termine la gravidanza e per elaborare la morte e la nascita insieme, per imparare dapprima la solitudine e l’indipendenza, così da potersi poi aprire al rapporto tutto nuovo col nascituro. Il rifugio, però, diventa ben presto una culla, dal momento in cui sopraggiunge Paul, fratello omosessuale di Louis, a prendersi cura di lei, a fornirle una dimostrazione concreta e naturalissima di vitale dedizione.

Dopo un inizio crudo e drammatico (come per certi versi era crudo l’inizio di Ricky), nello sviluppo successivo il film respira e si distende nel ritmo blando e regolare dell’attesa: di fatto non ci sono tempi morti o vuoti, e ogni scena, per quanto minimalista, è un tassello necessario verso la presa di coscienza finale, rinuncia e rilancio insieme.

Una scena tratta da "Come mio padre" di S. Mordini

Come mio padre è una ricognizione sulla paternità dal ’50 a oggi, assemblata con materiali d’archivio delle Teche Rai, per maneggiare i quali il regista Stefano Mordini si è avvalso della collaborazione di Michele Astori, e con interviste agli alunni di una decina di scuole elementari, dalle Alpi alle Egadi, a mo’ di tema da svolgere (traccia alla lavagna: «Raccontami tuo padre»). Il materiale di repertorio smembra reportage, estrapola frammenti e isola testimonianze, buttando sul piatto argomenti che inevitabilmente sono solo le bolle affioranti di una materia magmatica come quella trattata dal film. Le domande sono una catena: qual è il ruolo del padre? Quali i suoi doveri? Se per provvedere al sostentamento della famiglia gli si rende necessario stare tanto lontano dai figli da sentirsi, al ritorno, chiamare “zio”, egli può comunque considerare assolto il suo compito? È possibile un equilibrio tra autorità e affetto? Mentre nelle interviste ai protagonisti di ieri si sentono sia le voci dei figli (bambini già uomini quelli del dopoguerra, giovani in cerca di liberazione quelli della contestazione) che quelle dei padri (emigranti, operai nevrotici, single divorziati), nella documentazione del contemporaneo manca il controcanto e si sceglie di far parlare solo i figli bambini, cui sono rivolte le stesse domande appena passate in rassegna. Forse per questo, e forse anche perché gli stessi autori del film si dichiarano figli ancora lontani dall’orizzonte della paternità, nonostante molte risposte lucide e dirette, le domande restano aperte e le sagome dei padri sembrano oggi sfuggire più che mai, come se i padri moderni, presenti-assenti, fossero tanto lontani dai figli quanto gli emigranti di ieri.

Una scena tratta da "Giallo a Milano - Made in Chinatown" di S. Basso

Ogni dubbio è vangato: nel territorio del documentario italiano si trovano esigenze di racconto e ricchezze creative che altrove appaiono più raramente. Giallo a Milano, un’inchiesta sui cinesi residenti nel capoluogo lombardo firmata da Sergio Basso, è uno dei più interessanti lavori visti negli ultimi mesi. Un film che, raramente accade nel cinema italiano, traduce la curiosità intellettuale in ricerca formale. L’idea del documentario nasce dal senso di saturazione per la scarse e depistanti notizie sulla comunità cinese residente a Milano.

Sergio Basso ha tutto per rendere la disinformazione attenta riflessione. Necessità personale: Basso è laureato in Lingue e letterature orientali e ha vissuto un periodo in Cina, oltre ad insegnare nella sede di Palermo del Centro sperimentale di cinematografia. Afflato politico: a differenza dell’imperante ipocrisia di griffe “italiane” con prodotti realizzati in Cina, è un documentario made in Italy con “lavoratori” cinesi. Tensione etica e sguardo trasversale: si scopre, per esempio, che i cinesi ci guardano come dei fannulloni e ai proclami dei nostri “fantuttoni” rispondono silenziosamente lavorando, lavorando, lavorando… svelando, anzi, il sostrato vanesio e poco pragmatico della Milano “che produce”.

Giallo a Milano è immediato come un reportage giornalistico (sarà utile anche tra 10 anni, ma è fondamentale vederlo oggi), è autoironico (usa accelerazioni, rallenti, un pregevole video d’animazione, Basso ha la capacità di cogliere l’attimo nelle interviste e di non cadere mai nel patetico), trasversale (le diversità cinesi, viste da vicino, si mostrano molto simili alle nostre stramberie, tanto quanto distanti dalla nostra abitudine a banalizzare lo straniero), puntuale e sistematico (i quindici capitoli che dividono il racconto danno un ritmo da poliziottesco anni ‘70 rivisitato alla Tarantino, ma si collegano tra loro in una prospettiva completa e esaustiva). Infine, è anche un po’ romantico, quando ricostruisce le affettuosità di una giovane coppia che si scambia effusioni e sogni nel proprio letto. Ah, fornisce tante utili informazioni: sapete perchè i cinesi vengono/rimangono in Italia? Tra le altre motivazioni: perchè ormai la Cina si è troppo sviluppata, fare fortuna in Italia è più facile (neomamma)… perchè la cultura italiana mi è più vicina di quella cinese (anziana emigrata da adulta)… perchè voglio avere una vita normale, non voglio essere famosa (giovane talentuosa cantante lirica)… perchè non voglio che l’essere cinese mi perseguiti come un’ombra (artista emergente)…. perchè abbiamo il surplus di due culture (bauscia cinesi nati in Italia)…

ITALIA 2009 (Pietro Balla, DV, 52’, col.)

Un'immagine tratta da uno sciopero della Singer di Leinì

Radio Singer, presentato nella sezione riservata al cinema documentario Italiana.doc, secondo le parole del regista Pietro Balla, già autore nel 2008 di Thyssenkrupp Blues, è «un tentativo di fare memoria attraverso l’invenzione». Balla prova così a “terremotare” il piano d’appoggio del film e i confini tra la storia pubblica e l’immaginario privato, ricostruendo/allestendo con buon ingegno retorico l’ultimo giorno di trasmissioni dell’emittente libera Radio Singer. Radio Singer, perciò, è orchestrato come un coro di voci over senza volto (alcune riconoscibili, come quelle di Piero Fassino, Dario Fo e Franca Rame); è un’unica fluida colonna sonora in cui gli interventi degli ospiti e i brani musicali sono mixati da una doppia conduzione: quella del regista, che si assume la responsabilità di parlare in prima persona e “trasmette” dall’«agosto di merda del 2009», e quella di Maddalena, personaggio (se non storico, verosimile ed esemplare) che condensa più ruoli e identità (studentessa, operaia, militante nella radio libera… e fidanzata del regista), la quale invece trasmette dal 1° ottobre 1977. Quel giorno, a sua volta, oltre ai più svariati drammi privati, condensa diversi eventi politici pubblici, come la chiusura della fabbrica Singer di Leinì, nel torinese, e l’incursione al bar L’Angelo Azzurro, con il ferimento mortale del giovane Roberto Crescenzio. Se il film, di fatto, suona come una diretta radiofonica e una staffetta di voci, le immagini di repertorio “in sottofondo”, come per contrappunto, sono invece affollate di volti muti che sfilano senza sosta, un vero e proprio mare di gente che inonda le strade in ogni stagione. Riprese nell’agosto 2009, quelle stesse strade – ulteriore elemento di contrasto – sono deserte e disertate, nonostante le fabbriche continuino a chiudere. L’originale lavoro di scrittura che sorregge il film si fa dunque strumento di elaborazione romanzesca della storia e chiave di lettura di un oggi che, al confronto, figura stinto e sordo.

Famille

ITALIA-FRANCIA 2009 (François Farellacci, DigiBeta, 60’, col.)

La Locandina di "Famille" di F. Farellacci

Nel tentativo di esplorare con gli arnesi del documentario l’instabilità ereditaria che lo perseguita, François Farellacci registra come la storia della sua famiglia sia scandita da continui fallimenti e ripartenze: dopo aver traslocato per una ventina di volte, anche in modo repentino e rocambolesco, e sempre con doloroso smarrimento, il regista sembra arrivare a concludere che l’identità è inalienabile, ci segue ovunque andiamo, e che è inevitabile per tutti fare i conti con la propria storia familiare. Ancora la storia e la memoria, quindi, in questo documentario abbinato, nel programma di Italiana.doc, a Radio Singer di Pietro Balla. Quello che però sembrava un percorso di pacificazione, di riconciliazione con se stesso e di elaborazione dei propri fallimenti per mezzo della rielaborazione dei fallimenti del padre, del nonno e degli antenati, tutti invariabilmente solerti a cominciare una nuova impresa, ma inetti a portarla a termine, pare fatalmente votato allo stesso destino: fallimento (della pacificazione) e nuova partenza figlia di un azzeramento, del rifiuto di quell’eredità umana che tutto il film, ondivago e incostante anche strutturalmente (rivolto ora sul regista in prima persona, ora sui suoi familiari intervistati direttamente, ora sempre su di loro ma in forma di occhio nascosto e distante, raccontato parte in italiano e parte in francese…), ha cercato di ricomporre e digerire. Che sia questo il suo modo di collocarsi nel solco familiare di rifiuti e ripartenze?

OIL CITY CONFIDENTIAL

UK 2009 (Julien Temple, HD, 106′, col.)

Julien Temple è autore di grandi capolavori del genere come Sex Pistols – Oscenità e furore e Il futuro non è scritto – Joe Strummer.

Nell'immagine, il gruppo dei Dr. in "Oil City Confidential"

Oil city confidential racconta la breve stordente carriera dei Dr. Feelgood, verace “pub rock” band che dal brullo industriale paesaggio dell’Essex portò una ventata di aria malsana nel rock pieno di lustrini degli anni ‘70, influenzando poi lo stesso punk raccontato dal regista nei film sui Sex Pistols e su Joe Strummer, di cui costituisce una sorta di prequel. Temple, come di consueto, incastona il fenomeno musicale nel contesto storico, culturale e, soprattutto, fisico del periodo. Il luogo da cui si genera tutto è Canvey Island, un’isola, che “forse non è un’isola”, sull’estuario del Tamigi dove quattro sporchi, beceri ragazzi figli delle raffinerie cominciano a suonare portando con sè i propri vestiti da lavoro (da avvocato, meccanico, disoccupato…) fottendosene dello stile, quindi creandolo. “Se chiudevi gli occhi, sembrava di stare nel Mississippi”, racconta Wilko Johnson, il chitarrista e co-leader della band. Riadattando le radici del blues, i Dr. Feelgood creano nuove musicalità da comunicare, con un procedimento artistico che accomuna la band all’opera del regista. Temple, infatti, mostra le industrie petrolifere, l’Essex inquinato, non indugia nel compiacimento, sa chiudere gli occhi e vagheggiare sulle rive del Mississippi, dar vita cioè a immagini dove a volte ci sono solo brandelli personali di memoria. Il cinema di Temple, in questo e in altri esempi, è un riff prolungato su documenti rielaborati, risonorizzati; è il tentativo di capire perché, a un certo punto e in un certo posto, si sente il bisogno di fare musica (cinema) e vi si riesce. E il racconto che si snoda in Oil city confidential è inevitabilmente rivolto ad un passato riletto creativamente con ogni mezzo illecito di oggi: il passato come memoria personale del chitarrista, ormai adulto, che serenamente si apre alla narrazione; il passato, essenzialmente, come memoria artistica, debito della storia della musica per chi si è perso “nelle raffinerie della storia”, lasciando comunque il proprio segno (come debito artistico era anche, di altra natura, quello di Scorsese per i Rolling Stones in Shine a Light). Alla fine della pellicola il regista sceglie di mostrarci Wilko, solo, nella sua oleosa Canvey Island, steso sul proprio letto di fronte a pianeti e stelle elettroniche prodotte da un apposito software sullo schermo di un televisore al plasma. Dopo tour in tutto il mondo, successi e infine cadute, Wilko e Temple ci rimembrano quanto siano la coscienza della propria provenienza, del proprio letto di casa e del fango delle fabbriche con cui si giocava da bambini ad essere il luogo di elezione di ogni spettatore, regista, musicista che punta a rimirar le stelle.

NEIL YOUNG TRUNK SHOW

USA 2009 (Jonathan Demme, HD, 83′, col.)

Jonathan Demme ha realizzato vari film-concerto durante la sua eclettica carriera, tra cui Stop making sense, su un concerto dei Talking Heads, considerato da molti il più riuscito tentativo di ideare le riprese di un concerto live come un’opera complessiva che trascenda la mera riproposizione accurata dell’evento.

Nella foto, N. Young in "Neil Young Trunk Show" di J. Demme

Neil Young Trunk Show: Scenes From a Concert è il suo secondo film sull’amico Neil Young dopo Neil Young: Heart of Gold. Gli ultimi lavori di Demme racchiudono, a nostro parere, tra le più esatte e interessanti idee di cinema del panorama odierno. Demme si trova a proprio agio con il digitale, come se esso permettesse di rendere meglio il senso della vita vissuta, della concretezza delle cose. Lo si è visto con Rachel getting married, uno dei più bei film della passata stagione, in cui dalla potenziale convenzionalità del soggetto Demme riusciva a far deflagrare squarci di tangibile verità. Da qui, probabilmente, emerge la sua passione per il rockumentary, esplorato in diverse fasi della sua carriera, in cui la sfida è proprio quella di mantenere, nella riproduzione cinematografica, il più possibile intatta la componente live, di emozioni e traspirazioni, dei grandi concerti. Si comprende, insomma, la sua esigenza artistica e affettiva di raccontare le emozioni di un concerto e di un amico, scevre, a differenza dell’opera di Temple, di un contesto che si erga a personaggio. Per quanto riguarda quest’ultimo lavoro, rimane solamente il dubbio, nonostante l’indubitabile forza creativa e filologica del prodotto finale, che corpo e voce non si riescano del tutto ad imprimere nella grana del digitale (o della pellicola), dove invece nel citato film di finzione Rachel getting married era proprio il pulviscolo dei pixel e l’immediatezza del mezzo a far intendere un surplus irriducibile, eppure vivo, presente, cinematografico.

Nella foto. E. Kusturica e la No Smocking Orchestra. Il regista sarà ospite al 27simo TFF

Da oggi parte la ventisettesima edizione del Torino Film Festival, per la prima volta diretta dal regista Gianni Amelio.

Ad inaugurare la kermesse torinese è Nowhere Boy, film della regista inglese Sam Taylor Wood incentrato sulla figura del giovane John Lennon, ex leader dei fab four The Beatles. Il Torino Film Festival regala al suo pubblico circa 254 film tra anteprime internazionali, europee e italiane. Tra gli ospiti di questa edizione, ricordiamo: Francis Ford Coppola, Emir Kusturica e Mario Monicelli.

Il Festival – che si concluderà il prossimo 21 novembre – concentra la sua attenzione sulle nuove tendenze del cinema italiano e internazionale, risultando un’importante finestra sulle giovani ed esordienti realtà registiche.

Accanto alla selezione ufficiale di Torino27, la rassegna torinese offre al pubblico una serie di eventi e di sezioni collaterali che permettono al pubblico del festival di avvicinarsi a panorami registici italiani e internazionali che passano sottovoce. Tra gli eventi di spicco, ricordiamo la sezione Figli e amanti, in cui nomi noti del panorama cinematografico italiano racconteranno al pubblico il film che ha segnato l’inizio della loro passione per la settima arte.

Ricordiamo ai nostri utenti che duellanti.com seguirà il Festival in formula week-end, partecipando alle prime giornate di rassegna.

La kermesse – che avrà luogo nel capoluogo piemontese dal 13 al 21 novembre – concentra la sua attenzione sulle nuove tendenze del cinema italiano e internazionale, fungendo da importante vetrina per giovani registi esordienti.

Accanto alla selezione ufficiale di Torino27, la rassegna torinese offre al pubblico una serie di eventi e di sezioni collaterali che si concentrano sia sul cinema italiano (Italiana.doc, Italiana.corti) sia su quello internazionale (una retrospettiva dedicata al regista giapponese Nagisa Oshima e al regista americano Nicholas Ray). Inoltre segnaliamo la sezione Figli e amanti, in cui noti registi del panorama italiano (Gianni Zanasi, Marco Bellocchio, Davide Ferrario, Mario Martone e Paolo Sorrentino) racconteranno al pubblico come è avvenuto il loro innamoramento per il cinema, il film che ha segnato l’inizio della loro passione.

Per maggiori informazioni: www.torinofilmfest.org