Nella foto, la locandina di "Rapsodia in agosto" di A. Kurosawa

Il tifone n. 15, schedato come tifone di “forza estrema” e che ha portato l’allerta ai livelli massimi per le piogge torrenziali e i forti venti, si avvicina, lo si sente tuonare, ululare con una potenza mai vista.
Scuole e molti negozi chiusi a partire dal primo pomeriggio e per molti uffici é scattato il rientro a casa forzato. Già questa mattina si sentivano i suoi passi. Nell’aria uno strano senso di attesa. Attesa di qualcosa la cui forza è inimmaginabile. Piovigginava, era il vento a ricordarci che lui stava arrivando.

Proprio adesso il tifone è qui. Su Tokyo. Parlano di un vento in grado di spazzare via l’uomo. Una potenza che scuote. Arriva dentro le ossa, ti attraversa e ti svuota.

Una foto della forza abbattuta su di un ombrello

L’ombrello diventa un oggetto vuoto, privo di significato perché in un secondo lo ritrovi spezzato o volato via. E l’uomo quasi si arrende.
Magari sorride, talmente è assurdo e surreale il tutto.
Ombrelli che danzano o che si animano all’improvviso.
Cadaveri di ombrelli che vengono buttati, lasciati al loro destino.
Gli alberi scuotono le loro chiome in una danza quasi funebre.
E’ strano come si venga a creare una sorta di sintonia tra i passanti della città. Forse una delle rare volte in cui é “permesso” sorridere ad un altro uomo. Un uomo che cammina, come te, con un ombrello rotto tra le mani.

Nella foto, gente per le strade di Tokyo

Dopo il terremoto dell’ 11 Marzo, un secondo evento naturale sta attraversando il Giappone. Un evento che riporta alla memoria la forza della natura e l’impotenza dell’uomo davanti ad essa. Con la speranza e la preghiera che essa non crei ulteriori danni, adesso viviamo appieno tutta questa energia.

Nella foto, uno scorcio di Shibuya

Varcando la piccola soglia del UPLINK ci si trova sperduti, in un luogo indeterminabile. E’ un labirinto e una fabbrica di immagini. Uno stretto corridoio colmo di annunci cinematografici ci fa da mappa, e disegni affissi sui muri da anima. Una piccola sala funge da luogo d’incontro e di discussione e anche da sala cinematografica. Arte, musica, teatro e cinema si fondono e brulicano in questo spazio senza età.
Abbiamo intervistato il fondatore di questo spazio Asai Takashi per poterne sapere di più e per poter comprendere il significato dell’esistenza di un tale spazio nella Tokyo di oggi.

Nella foto, Asai Takashi e goen

- Cos’è l’UPLINK?
L’UPLINK è partito dall’idea di “Cinema più piccolo al mondo”. 50 sono i posti a sedere e i posti sono fatti da sedie o cuscinetti diversi uno dall’altro. Come in una casa. Lo spettatore entra nella sala e la sua avventura di visione del film comincia proprio dalla scelta della “sua”sedia, quella che lo fa sentire più a suo agio.
Poi l’idea si è evoluta ed oltre alla proiezione di film, abbiamo cominciato a fare LIVE, talk show con artisti , mostre di foto e performance musicali o teatrali. All’interno di Uplink abbiamo anche creato uno spazio dove si può mangiare e bere chiacchierando con gli artisti che espongono quì o talvolta anche con i registi dei film che proiettiamo. L’UPLINK è un miscuglio di cose, persone e immagini. Volevo che diventasse un “centro culturale” come lo si trova in Italia o a Londra.

- Un centro culturale?
Sì, da giovane, intorno agli anni 70, facevo lo stage director per il TENJO SAJIKI(compagnia teatrale d’avanguardia giapponese) ed eravamo stati invitati in varie citta d’Europa o in America. Pure allo Spoleto Festival e lì in quei paesi sono stato scioccato dai “cultural center”. In queste piccole città europee, c’era sempre un “cultural center” e questi centri, pur essendo molto piccoli, invitavano artisti da tutto il mondo, erano animate da miriadi di iniziative artistiche ed emanavano un’energia mai vista. Questo può essere proprio il punto di partenza dell’idea di UPLINK. Un ”cultural center” alla giapponese, un divulgatore di film e di opere di tutto il mondo e luogo d’incontro delle più svariate persone.

Nella foto, la facciata d'ingresso di Uplink

- In tutto il mondo ma sopratutto in Giappone le persone si incontrano molto più spesso “virtualmente” via internet nei tanti “Social Media”. Poco fa sono rimasta scioccata da due miei coetanei che incontrandosi dopo un anno, si trovavano in difficoltà a parlare perchè “Leggendo i tweet o le notizie su FB, ormai sapevo TUTTO!” Che cosa l’ha portata a creare “un luogo d’incontro”come l’UPLINK, nella Tokyo di adesso?
Una volta, tipo negli anni 70, c’erano i Jazz bar o i Rock bar che funzionavano da “luogo d’incontro”. Un luogo dove persone che avevano un interesse in comune potevano incontrarsi e parlare. Invece adesso con la divulgazione delle catene di bar o di Fast Food, penso che a Tokyo questi posti “d’incontro” stiano scomparendo…e questo mi creava profonda amarezza. Io penso che l’esistenza di un “luogo” sia molto importante. Un “luogo d’incontro” , che può essere una vecchia libreria o anche il piccolo Bar sotto casa. Penso che il proteggere l’esistenza di un “luogo” del genere, o il crearne di nuovi, sia un nostro compito e sia di grande importanza per la cultura giapponese di oggi. E` per questa ragione che ho voluto creare UPLINK.

Nella foto, uno scorcio della videoteca di Uplink

- In questo “cinema più piccolo al mondo”… che film ha avuto successo in questo ultimo periodo?
INTO ETERNITY. Documentario di Michael Madsen che narra del primo deposito permanente di scorie nucleari. Un documentario che avevamo progettato di proiettare questo autunno ma che, vista la situazione giapponese, abbiamo deciso di anticipare. Così a 1 mese dal terremoto, senza aver ancora preparato i poster o gli annunci, abbiamo cominciato la proiezione. E` stato un grande successo. Infatti le persone erano e tuttora continuano a essere ovviamente fortemente motivate a guardare questo documentario e a sentire la neccessità di informazioni VERE.

Nella foto, alcuni visitatori di Uplink

- Com’è la reazione degli abitanti di Tokyo, nei confronti dell’ UPLINK e cosa vorrebbe fare nel futuro?
Direi che stanno reagendo bene. Anche l’interesse dei giapponesi nei confronti dei documentari sta nettamente aumentando. I documentari ti lasciano sempre un segno dentro. Un quesito o un dubbio, una sensazione di aver visto uno scorcio di vita e che, usciti da questa sala anche loro possano fare qualcosa con le proprie forze. Questa caratteristica dei documentari sta cominciando a essere apprezzato oltre poi al fattore della neccessità di ricevere informazioni reali. Poi come UPLINK in sè noto che in Giappone, le persone più attive , forse sono proprio le persone di mezza età, i sessantenni. Quì si ritrovano quindi non solo giovani ma persone di tutte le generazioni ed è proprio bello vedere questo miscuglio di persone che si ritrovano quì, in un posto “reale”. Penso che mischiando la comunicazione mediata da internet con questi posti “reali”, ciascuno possa trovare un proprio modo di essere e di “fare”, e che questo porti ad una forza ed una energia smisurata, mai vista. Mi piacerebbe che tutto ciò possa partire da qui nel centro di Shibuya.

Il grande schermo ci riporta dunque nell’India di 2500 anni fa: un India verde di campi e con il cielo azzurrissimo ma anche una terra continuamente trucidata da battaglie tra i diversi imperi.

Mentre nel manga originale vi è una moltitudine di personaggi fittizi e semi-inventati che rappresentano le diverse facce della società indiana, la pellicola incentra l’attenzione sulla storia di due personaggi. Forse anche i più lontani in assoluto.
Siddharta, principe dell’Impero Shaka, cresciuto tra mille lussi e danzatori privati. Conosce per la prima volta la vita fuori dal suo palazzo grazie a Mighela (figlia di una famiglia di derubanti) che lo guiderà alla scoperta di un mondo così lontano da quello del giovine principe. Svegliato dal suo lungo sonno fatto di belle bugie, Siddharta conoscerà l’esistenza della povertà, della malattia, della sofferenza e della morte e deciderà quindi di lasciare tutta la sua ricchezza e la sua famiglia per intraprendere un viaggio iniziatico.

Nella foto, Siddartha in una scena di "Budda" ©2011 Osamu Tezuka's Buddha Production Committee

Il secondo personaggio è Chapra: uno schiavo che, nascondendo la sua vera identità, si farà proclamare figlio del re dell’impero Cosara schierandosi con l’elite dominante. Le due vite si incontreranno sul campo di battaglia durante lo scontro degli imperi Shaka e Cosara, molto tempo prima del viaggio iniziatico di Siddharta.

Nella foto, la scena dello scontro ©2011 Osamu Tezuka's Buddha Production Committee

Lo snellimento della storia di questa prima fase del racconto, necessario per adattare il manga ad una pellicola di 1 ora e 51 minuti, facilita la comprensione della trama e rende la storia , più veloce ma non per questo povera di significati e di riflessioni. Il bellissimo mondo di Osamu Tezuka, ci fa infatti conoscere attraverso I suoi personaggi tante realtà, come appunto il dolore, la sofferenza e la morte, in una maniera così diretta, che forse solo un’animazione può realizzare. Un goen con questo lungometraggio che comincia a porci le prime riflessioni e i primi dubbi sulla realtà della vita. Per poter gustare la filosofia di Buddha, maturata con l’Illuminazione, dovremo aspettare ancora un po’, ma questo primo lungometraggio, diretto da Kozo Morishita (già regista delle serie animate di Goldrake, I Cavalieri dello Zodiaco) sulla base della sceneggiatura di Reiko Yoshida (Dragon Ball Z) e il character design di Hideaki Maniwa (direttore dell’animazione della serie tv di One Piece) è già un bel film propiziatorio.

In parallelo alla visione di questo film, presso il Museo Nazionale di Tokyo è stata allestita una mostra molto originale sul Buddha, di cui potrete avere una degustazione sul numero di duellanti di luglio!

Nella foto, la locandina originale del film ©2011 Osamu Tezuka's Buddha Production Committee

SITO UFFICIALE DEL FILM: www.buddha-movie.jp

Nella foto, una veduta dall'alto di Tokyo

Golden week, nome nato per ricordare il grande incasso che il film JiyuGakko ebbe in questo periodo del 1951, superando l’incasso di tutte le festività annuali. Un prime time (in giapponese goldentime) adattato per definire questo lungo periodo di vacanza. I giorni di riposo variano da persona a persona: chi si prende qualche giorno in più per rimanere a casa per una settimana e chi invece si riposa in accordo con le festività segnate dal calendario.

Si torna alla normalità nelle strade di Tokyo

Le strade solitamente pullulanti di uomini in giacca e cravatta, in questo periodo tirano un sospiro di sollievo, si stiracchiano e ritornano, almeno in questi giorni, a respirare. Pure gli alberi sembrano essere più verdi: mostrano fieramentelefronda come in un gesto di felicità.Le strade dedicate allo shopping si fanno invece più strette, intente a far passare i fiumi di donne e uomini che sfociano energici per i negozi e per queste lussuriose strade. Bambini, famiglie, coppie… Un po’ più allegri e rilassati del solito, passeggiano e si condensano davanti alle vetrine delle boutique. Migliaia di persone si distribuiscono qua e là per le strade dedicate alle compere e al divertimento.

Ma la golden week di quest’anno non è solo questo. Con una città ancora buia di sera e con le scale mobili spente per risparmiare energia, è un momento in più, dedicato alla sosta e al ricordo.

“GambaroNippon!” (Forza Giappone!).

Nella foto, la Tokyo Tower

Un motto ricordato quotidianamente dalla TV, dai manifesti per le strade e pure dalla Tokyo Tower: rimasta spenta per diverse settimane, ha ripreso a dar luce usandol’energia solare, e riportando il messaggio “GambaroNippon” (illuminazione del 11 aprile al 16 aprile passati) e “messaggi di cuori” (dal 22 aprile al 10 maggio). C’è chi decide di partecipare al volontariato, chi dona soldi, e chi sta un po’ più attento con l’energia elettrica. Tante e molteplici modalità. Svariati piccoli goen ma con un unico pensiero e un’unica speranza: la rinascita del Giappone. Questa è la “golden week” nella Tokyo dopo l’11 marzo.

(c)2010 Ryota Kuwakubo photo: KIOKU Keizo photo courtesy: NTT InterCommunication Center (ICC)

Con l’arrivo della primavera, è arrivato anche quest’anno l’appuntamento con la 14^ edizione del Japan media arts festival, tenutosi ogni anno a Roppongi, nel cuore di Tokyo.
Evento nato nel 1997 con l’obiettivo di diffondere in Giappone e all’estero le nuove forme di media art, anche quest’anno sono state premiate 24 opere, provenienti da tutto il mondo, nelle 4 categorie arte, entertainment, animazione e manga.
Quest’anno abbiamo trovato non più solo “novità” e “stupore” come metro per misurare le opere d’arte ma una selezione che guarda all’opera in sè.

Quasi a modello di questo criterio di valutazione, è stata premiata ‘The 10th Sentiment’, vincitrice dell’ Excellent prize nella sezione artistica: opera del celebre designer e device artist giapponese Ryota Kuwakubo, con cui abbiamo avuto goen di incontrarlo e di sentirlo parlare.

La sua opera consiste in una normale stanza rettangolare tenuta buia, dove gli spettatori sono invitati ad entrare e a essere contemporaneamente spettatori e protagonisti del racconto di ombre creato dalla luce proiettata da un trenino che si muove al centro della stanza.
Intorno alle mini rotaie sono posizionati diversi oggetti d’uso quotidiano (matite, mollette o imbuti) che illuminate dal trenino creano ombre alcune già viste e altre invece inaspettate. A seconda dell’angolatura della luce le ombre si fanno minute o gigantesche, avvolgendo e coinvolgendo in prima persona lo spettatore. Un racconto di ombre studiato nei minimi dettagli e dove tutto ciò che si vede, si trasforma in arte.

Kuwakubo racconta:
“Fino ad ora mi bastava che le mie opere fossero divertenti. Poi però mi sono accorto che c’era un limite. Volevo andare oltre. È per questo che in The 10th Sentiment mi sono concentrato sull’esperienza che lo spettatore trae dalla mia opera. Ho voluto che si creasse una relazione istintiva con il visitatore e che nascesse un movimento di emozioni nel loro interno.”

“Ho voluto una stanza rettangolare e non rotonda, come mi avevano consigliato in molti, perchè ho voluto che la mia opera potesse essere vista in una qualsiasi camera.”

L’utilizzo, quindi, delle nuove tecnologie mediali per creare un’opera, sì interattiva, ma non solo.
Un’opera che segue la scia delle opere figurative tradizionali, delle ombre cinesi o anche della storia del cinema, ma che realizza allo stesso tempo una nuova sensibilità spaziale e dinamica dello spettatore in “prima persona”. Un mix di deja vù e je mais vù che mirano all’immaginazione dello spettatore.

Un goen con un nuovo esperimento del celebre device artist direttamente dal Giappone.
Un’integrazione di arte e tecnologia, design, intrattenimento e cultura pop e questa volta un gioco con le tematiche di analogico/digitale, spazio ed “esperienza in prima persona”,ricercando nuove espressioni e possibilità del media art.

Qualche news su Ryota Kuwakubo:
Nato nel 1971.Media artist e device artist giapponese. Dopo aver studiato arte contemporanea e media art, dal 1998 continua a creare originali dispositivi informatici/elettronici focalizzandosi su tematiche come la dicotomia tra analogico/digitale o essere umano/macchina. Ha ricevuto una ‘Honorary Mention’ nella categoria Interactive Art presso l’ Ars Electronica 2002 & 2003, vincitore del grand prize presso il Japan Media Arts Festival e quest’anno del Excellent Prize.

http://www.vector-scan.com/the_tenth_sentiment/

Japan Media Arts Festival Executive Committee
[Agency for Cultural Affairs / The National Art Center, Tokyo / CG-ARTS]

Siamo a Ginza.
Un largo viale alberato circondato dalle più lussuose boutique
delle top brand mondiali: Louis Vitton, Armani, Prada…
Eleganti donne giapponesi si aggirano perfettamente profumate
tra gli ampi marciapiedi di Ginza, mescolandosi con l’atmosfera luccicante ed
abbagliante di questo quartiere.

Saliamo al terzo piano del Pola Building dove è situato il Pola Museum Annex e
troviamo che lì il tempo è come sospeso: lento, caldo e delicato
tra le immagini dei bambini solitari e sognatori di Valerio Berruti.
Bambini giapponesi, che l’artista ha ritratto alla scuola elementare del quartiere di Suginami
nel corso del suo soggiorno in Giappone in occasione della Youkobo Art Space in Tokyo,
ma anche bambini icone dell’universo dell’infanzia.

The girl and the tree (2008)

“Volevo che in ciascuna di queste opere si potesse ritrovare un pezzo di Giappone”.
Vediamo così l’opera scultorea “Erimoto” (in giapponese significa “colletto”),
dove tra le espressioni corrucciate delle bambine in bassorilievo e il colletto laccato di nero,
ritroviamo nascoste in ciascuna formella segni e ricordi del Giappone:
la terra o le pietre raccolte per le vie giapponesi, il cemento e la lacca giapponese…

erimoto (2010)

La nuova video animazione “Kizuna” è accompagnata dalle note
del grande artista giapponese Sakamoto Ryuichi che ne ha realizzato appositamente la colonna sonora.
Oltre 300 disegni in preziosa lacca su carta giapponese,
raffigurano una bambina alle prese con un gioco solitario.
Nel momento in cui la bambina volge lo sguardo verso di noi,
vediamo che si instaura il “Kizuna”. Tema importante su cui ruota tutta la mostra,
e che simboleggia il legame forte e duraturo
creato dall’incontro degli sguardi di due persone.
Può essere inteso come il legame appassionato tra due cuori innamorati
o anche il legame fedele con una persona speciale.
Nel caso della mostra dell’artista “Kizuna” simboleggia il legame solido tra le sue opere e i suoi spettatori.
Tra Berruti e il Giappone, i giapponesi.

V. Berruti

Questo sentimento di “legame” con il Giappone
lo si ritrova anche nella scelta cromatica dei suoi disegni.
I colori chiave di “Kizuna” ruotano appunto sul rosso e sul nero.
Uno sfondo rosso appariscente e lo sguardo nero degli occhi intensi della bambina.

Kizuna (2010)

“Quando sono venuto in Giappone andavo spesso fuori a mangiare
e sono rimasto profondamente colpito dalle ciotole con cui si beve il Miso-soup.”

Sono ciotole di legno, caratterizzate dall’ applicazione di una lacca preziosissima
di colore prevalentemente rosso e nero, chiamata Urushi, per via dell’albero da cui si ricava.
Il termine si pensa che derivi anche da ‘uruwashi’ (bello, gradevole) e ‘uruosu’ (umido e lussuoso).
Una tecnica che affonda le sue radici già nel periodo Jomonji, quindi circa 5500 anni fa.

Shikki

Colori e tecniche antichissime che si armonizzano nella semplicità
e nella caducità dei bambini raffigurati dal grande artista piemontese.

Opere che, con i suoi colori semplici e i suoi pochi elementi, lasciano libero lo spettatore
di ricomporre il proprio contesto immaginario risvegliando le figure che più appartengono al proprio vissuto.
Un dialogo muto tra i suoi bambini e lo spettatore.
Un “Kizuna” che si instaura e che risveglia ricordi, pensieri e sogni,
perduti forse tra la folla e la frenesia di questa capitale giapponese.

Un bellissimo goen che ci ha fatto rivedere un nuovo “legame” con le antiche tradizioni giapponesi
e che ci ha fatto riscoprire la bambina che forse tutti teniamo dentro di noi.
Una bambina timida, esile, arrabbiata e sognatrice…

Valerio Berruti: KIZUNA
Pola Museum Annex-Ginza, Tokyo
22/1/2011-13/3/2011
A cura di Kaori Ikeda
Testo di YUKO HASEGAWA

Statuette di conigli, foto di yellowheart

Ed ecco un nuovo Goen con i rituali e le tradizioni per festeggiare lo Shogatsu (Capodanno giapponese).
Normalmente per Shogatsu si intende il periodo chiamato “Sangan-nichi”(1-3 Gennaio)
o il periodo del “Matsu no uchi”(1-15 Gennaio).
Periodo sacro, caratterizzato da innumerevoli rituali per allontanare
tutte le negatività portando al contrario fortuna o “Fuku” a sè stessi,
alla propria casa e alle persone che ci stanno vicino.
Il termine stesso “Shogatsu”, letteralmente significa “mese corretto”,
un mese quindi dedicato ai propositi per il nuovo Anno e
per ottenere appunto prosperità e fortuna nei mesi a venire.

Ci si prepara lungamente e con tanta cura per poter accogliere
con spirito puro e rinnovato lo Shogatsu.

Innanzitutto vi è una gran attenzione (quasi ansia!) per non tenersi nulla di incompleto nel vecchio anno,
quindi si sta molto attenti a saldare debiti o a ripulirsi di tutti gli affari incompiuti.
Anche a casa regna lo stesso sentimento,
quindi, si fa una grande pulizia dell’abitazione, simile alle “pulizie di primavera” italiane,
ma che in Giappone risale all’usanza della pulizia annuale
delle statue buddiste nei templi (Susu-harai).

Si dice che durante il periodo di Shogatsu gli dei visitino le famiglie,
quindi le abitazioni, i negozi e le aziende si preparano a questa visita
ponendo all’ingresso dei palazzi delle particolari decorazioni (Kado-matsu):
esse son fatte di pezzi di bambù, rami di pino e corde intrecciate a mano
e per tradizione si usa dire che tengano lontano gli spiriti cattivi.

Le particolari decorazioni Kodo-matsu, foto di yellowheart

L’arrivo del nuovo anno lo si sente nell’aria,
quando il 31 notte i templi buddisti risuonano lentamente 108 rintocchi.
Numero dei desideri e dei peccati che l’uomo si tiene dentro
e che devono essere cacciati fuori.

Dopo questi silenziosi rintocchi, eccoci nel nuovo anno.

Colmi di nuove speranze, ci si ritrova il 1°Gennaio con parenti e familiari
per festeggiare insieme e per continuare i rituali dello Shogatsu.

Si incomincia con il mangiare il “Zouni”, una zuppa con polpettine di riso schiacciato (mochi),
pollo e verdure(a seconda dell’usanza famigliare) e bere un sakè particolare,
aromatizzato da varie spezie (O-toso) ,
che si ritiene allontani le malattie e le negatività.

Il cibo per eccellenza che si mangia durante il Capodanno giapponese è l’”Osechi-ryori”,
preparato con gran cura e prevelentemente con cibo secco
perchè duri per i primi tre giorni di Capodanno.
Per non disturbare gli dei in visita con rumori in cucina,
e anche per far riposare le casalinghe, è usanza prepararlo entro Dicembre
e conservarlo in bellissime scatole laccate rosse o nere.

Un piatto di osechi, foto di yellowheart

Ogni piatto che compone l’Osechi simboleggia un messaggio di buon auspicio come salute,
prosperità, soldi e fertilità.

Altri osechi, foto di yellowheart

Lungo tutto questo sacro periodo vi sono fiumi di persone
che vanno a fare la prima visita dell’anno (Hatsumode)
ai santuari shintoisti e ai templi buddisti.
Il luogo di culto più frequentato per eccellenza in Giappone è il Meiji-jingu, a Tokyo,
dove masse di persone resistono al freddo per aspettare in coda.

Il meiji-jingu, foto di yellowheart

Arrivati davanti all’altare si fa un’offerta, si battono le mani per due volte
per chiamare gli dei e si recita una breve preghiera.

Momento di preghiera, foto di yellowheart

Cuori e spiriti depurati e rinnovati.
Rinvigoriti dal riposo, dai rituali e dalle tradizioni.

La suggestiva atmosfera, foto di yellowheart

Immersi in questa atmosfera di Capodanno giapponese,
tra riti e buoni auspici, battiamo anche noi le mani due volte e
preghiamo un anno pieno di gioia e di nuovi goen!

Folla per le feste di Tanabata (foto di yellowheart)

La festa è legata ad una leggenda popolare di origine cinese tramandatasi poi in Giappone. Secondo questa romantica e al tempo stesso triste leggenda, nel cielo vivevano a Ovest gli uomini e a Est le divinità; il pastore Hikoboshi (la stella Altair) e la dea Orihime (la stella Vega) un giorno si incontrarono e si innamorarono perdutamente.

Nella foto, la dea Orihime (foto di yellowheart)

Fu un amore a prima vista e i due decisero di sposarsi in gran segreto contro la volontà del padre della dea. Quando il padre di Orihime lo venne a sapere si infuriò e decise di punirli, facendo sì che i due innamorati non potessero mai più incontrarsi. Ricondusse dunque la figlia nella terra degli dei e, per evitare il ricongiungimento, creò un fiume celeste, la Via Lattea. I due ne soffrirono moltissimo. Orihime versò ogni giorno lacrime su lacrime ripensando al suo amato. Il padre, commosso dalla sofferenza di sua figlia, permise loro di rincontrarsi, ma solo una volta all’anno: la settima notte del settimo mese. Se in questa notte sfortunatamente piove e il Fiume Celeste si ingrossa, una gazza (Uccello Kasasagi) arriva in loro aiuto facendo da ponte.

Esistono in realtà diverse varianti di questa leggenda. Una versione differente racconta che il Padre di Orihime punì i due innamorati per la loro “pigrizia” nel lavoro. Comunque sia la storia, l’immagine di due stelle innamorate che aspettano ogni anno la settima notte del settimo mese per incontrarsi attraversando la Via Lattea ha commosso i cuori giapponesi e dal periodo Edo divenne popolare ricordare questa data fatale con la festa “tanabata”.

In questa occasione si usa scrivere un desiderio, o una poesia, in un foglio verticale, il tanzaku, da arrotolare intorno a un ramoscello di bamboo affinchè esso si realizzi.

i tanzaku (foto di yellowheart)

Abbiamo dunque avuto goen con questa festa a Hirazuka, dove si tiene una delle più grandi feste di tanabata. Le strade sono state riempite di rami di bamboo, abbelliti da miriadi di decorazioni multicolori. Infatti in questo periodo, la città si spoglia dei vecchi abiti dai colori grigi e opachi per vestirsi da festa.

Le meravigliose decorazioni multicolori della festa (foto di yellowheart)

Veli di carta coloratissimi danzano al vento al passare della gente e anche tanti tanti desideri luccicano sul suo nuovo abito.

Desideri di bambini:ma non solo.

Bambine in abiti tradizionali alla festa di tanabata (foto di yellowheart)

In una società in cui è più facile essere travolti dallo scorrere tumultuoso degli eventi, il tanabata è un’occasione per i bambini di guardare l’enorme cielo azzurro e per sognare. Sognare ad occhi aperti.

Mentre per i più grandi è un occasione per ritrovare un sogno dimenticato in qualche angolo buio o smarrito nello scorrere degli eventi. Un momento non solo per esprimere un desiderio ma anche per ricordarsi che si può “desiderare” e che si può ancora sognare.

Una ragazza lascia il suo tanzaku (foto di yellowheart)

Dunque, l’abbiamo vista ridere di gioia, la città. Rimpinzita fino all’orlo dai desideri e dai sogni di bambini e di grandi.

Un desiderio anche da parte nostra a queste due romantiche stelle innamorate: goen ga arimasuyouni.

goen e onepiece

Quest’inverno abbiamo avuto goen con il film One Piece – Strong World.
Questo film celebra l’anniversario dei dieci anni della serie anime televisiva ed è il primo capitolo cinematografico scritto e  supervisionato dall’autore del manga, Oda Eiichiro.

Una pellicola che,  già dal primo giorno di proiezione ha battuto il record di incassi della Toei, battendo il record di YAMATO e di Harry Potter. Un film che ha cambiato, con il suo arrivo, 58 anni di storia della Toei.

Tuttavia, ciò che ha incuriosito goen non è stato il film in sè – ovviamente spettacolare – ma piuttosto la tecnica con cui è stato promosso.
Una promozione alquanto originale che ha dato vita ad un volume “zero” (in copie relativamente limitate) in formato manga, che racconta la storia che precede la trama del film.
Un volume “zero” regalato solo in determinate sale e distribuito solo ad un ristretto (!) numero di fortunati spettatori (1 milione e mezzo).
Quest’idea ha quindi intrecciato la trama del film cinematografico con la storia del volume zero, permettendo in questo modo la continuità tra due formati diversi tra loro.

volume "zero" e volantino Strong World

Se sfortunatamente si capita in una sala cinematografica in cui hanno terminato il volume, si è costretti a guardare il film senza l’introduzione del manga, ma, in ogni caso, la mancanza di questo prequel cartaceo non compromette la visione della pellicola. Tuttavia se si è fortunati e si riesce ad accaparrarne uno, si può venire a conoscenza di alcune caratteristiche e curiosità sui personaggi. Quindi, poter godere di una degustazione in toto di One Piece.

Questo volume “zero” è  dunque un surplus al film in sè, che – proprio per il suo carattere “limitato” e da collezione -  ha catturato i cuori degli appassionati, spingendoli maggiormente nelle sale cinematografiche.

Non si può tuttavia affermare con certezza che il successo di questo film sia dovuto solo alla presenza di questo volume da collezionisti, poichè un altro elemento che ha destato interesse intorno alla pellicola è stata la supervisione diretta di Oda Eiichiro. In ogni caso è innegabile affermare che la presenza di questo “zero” abbia contribuito al suo successo.

Un’idea alquanto carina e originale, che per il formato anime×manga è stata un’interessante nuova scoperta.

Questo intreccio di formati tra loro diversi, che ha portato un numero inimmaginabile di spettatori alle sale cinematografiche, ha fatto sorridere goen.

Quale sarà la prossima idea del cinema giapponese?
Che strade e inneschi si inventerà?

goen ga arimasuyouni.

Per il Giappone però, è più “Christmas” che “Natale”.
Una data come le altre sul calendario dell’agenda,
con la sola particolrità di aver incise sotto le lettere
“クリスマス” (Christmas).

Una data nera, non rossa come tutti i giorni festivi,
quindi, gli studenti festeggiano,
mentre per gli altri il tempo scorre regolarmente con la propria giornata di lavoro e
magari con una torta di Natale alla fine della giornata.

Christmas: una festa fantasma.

A invocare a gran voce il “Christmas”
sono invece le strade e i grandi magazzini
che si illuminano come per magia.

Magia di luci e fiori

Così,un mantello di lucine colorate compare senza preavviso agli inizi di dicembre
per poi dissolversi, come se niente fosse, a gennaio.

Tutto si trasforma.
La città di Tokyo e anche i resti del castello di Edo.
Tutto si riveste di sovrabbondanti tele di luci.

Mantello sulle mura del castello Edo

Lucine colorate, candele, alberi di Natale,
torte e “Babbi Natale”
creano il menù completo per il “Christmas” giapponese.

Candele

Coppie e ragazzi si recano agli “spot” d’illuminazione
dove possono godere di veri e propri spettacoli di luci, suoni e colori.

Blue Ocean a Shiodome

Sia per tradizione, sia per religione, non si può “sentire” il Natale,
ma si può ” vedere” a pieni occhi il “Christmas” .

Una toccata e fuga di Christmas anche per goen:
un’occasione per rimpinzarsi (sia nel bene che nel male) di luci e colori!

Tuttavia…メリークリスマス！（Merry Christmas!)

La festa di "Tori no ichi" - foto by yeallowheart

Tori no ichi è una festa risalente al periodo edo, in cui si ringrazia dell’anno passato
e si prega per un buon raccolto per l’anno a venire.

Una delle attrattive principali di questa festa sono i Kumade
(oggetti di bamboo usato per raccogliere le foglie cadute d’autunno),
abbelliti da ornamenti propiziatori.

Nella foto, i "Kumade" - foto by yellowheart

Una vera danza di colori e di immagini iconiche:
Otafuku (viso da donna che per i suoi dolci lineamenti, si dice porti fortuna)
o tsuru (Uccello giapponese che augura una vita di 1000 anni )…

Quando si compra il Kumade, si viene accolti con un “Kakegoe”,
ossia un rito popolare in cui, insieme ad uno “yoo” invocato dal capo,
partono una raffica di 3 battiti di mani, ripetuti per tre volte,
più uno finale che riporta all’equilibrio.

Nella foto, il rito accogliente di Kagedoe - foto by yellowheart

Dunque in questa festa “creata” per commercianti e imprenditori, con che cosa abbiamo avuto goen?

Direi..
Visi e corpi,trasparenti.

Non portavano la solita maschera indifferentemente “gentile” che i “bravi lavoratori” tendono a portare.
Erano occhi e figure che mostravano con sincera trasparenza
la felicità di essere incoraggiati dal Kakegoe o la forte forza di volontà
di combattere e vincere la depressione economica giapponese di cui la TV parla ogni giorno.

Una felicità infettiva: ogni volta che cominciava un kakegoe
ci si sentiva automaticamente partecipi di quel rito propiziatorio
e ci si ritrovava a battere le mani all’unisono.

Proprio in Giappone, dove ogni persona sta al proprio posto, attento a non oltrepassare la linea gialla trasparente.
In questo Giappone, dove ti chiedi di continuo se “hai il permesso” di fare una tal cosa,
ci si sentiva al Tori no ichi stranamente liberi di festeggiare una persona da te estranea.

Sarà la passione e la forza di volontà di questi imprenditori a creare tale forte atmosfera?
O sarà l’effetto fratellanza che si prova ad essere tutti lì, nello stesso posto e con la stessa speranza?

Un colorato scorcio di "Tori no ichi" - foto di yellowheart

Comunque sia, questo dolce goen con un Giappone forte e trasparente, e con questo Festival di colori, è stato miele per cuori infreddoliti.

Sperando di ritrovare altri istanti di trasparente sincerità,
Goen ga arimasuyouni.

Nella foto, goen e Fuji-san by yellowheart

Si innalza solenne al centro del Giappone e nessun altro monte giapponese
gli fa concorrenza come altezza.

Intorno a lui si aprono paesaggi di notevole bellezza,
tra cui, Hakone e il lago Ashino.

Il meraviglioso panorama del lago Ashino by yellowheart

E` proprio a Hakone che abbiamo avuto goen con il
Fuji-san.

Nella foto, Hakone by yellowheart

La nostra reazione dopo aver visto il Fuji-san?

Beh, è bene dire che è stata tipicamente giapponese.

Il respiro bloccato per un istante,
le mani sulla bocca per nascondere il sorriso di sorpresa
e una parola:”Ah! Fuji-san da!!” (Ah! il Monte Fuji!!)

Fuji-san.

Che ruolo svolge nei nostri cuori?

Si eregge solitario e la sua raffinata bellezza ha sempre commosso le anime giapponesi.

E’ famoso per la sua timidezza, motivo per cui lo troviamo per lunghi periodi dell’anno
nascosto sotto un caldo scialle di nuovole.
A seconda del luogo da dove lo si guarda, e dall’ora del giorno in cui lo si guarda,
lui mostra diverse espressioni.
Talvolta annebbiato, arrossito o sfolgorante.

Una suggestiva immagine del Fuji-san by yellowheart

Sarà per questa molteplicità di aspetti che ,fin dall’antichità,
fu fonte d’ispirazione e musa per artisti, poeti e cantanti.

Un esempio è dato da Hokusai, con le sue 46 stampe in cui rappresentò le diverse espressioni dell’onorevole Fuji.

Probabilmente non c’e un punto finale a questo fiume di pensieri.

Fatto sta che lo si potrebbe chiamare un perfetto “entarteiner” che instancabile attira e pacifica i nostri cuori.
Un entarteiner moderato ma allo stesso tempo potente.

Anche goen è stato fatto subito prigioniero della sua bellezza.

Goen ga arimasuyouni.