Ci sono film che scivolano via, e poi ci sono film come Polisse che ti piombano sui denti come una mazza chiodata. La pellicola – vincitrice del Premio della Giuria alla scorsa edizione del Festival del Cinema di Cannes – nasce dalla curiosità della regista Maiwenn Le Besco, rimasta colpita dalla visione in tv di un documentario dedicato alla BPM (Brigade de Protection des Mineurs, brigate per la protezione dei minori, ndr.). Ed è proprio dal documentario che Maiwenn – qui, non a caso, anche attrice, nel ruolo della silenziosa fotografa che documenta a colpi di flash la vita della squadra speciale – recupera l’uso di una camera a mano sporca, che, al tempo stesso, si pone come spettatore taciturno alle spalle dei personaggi che vuole raccontare.

Un film, Polisse, che lavora su due piani narrativi in realtà non tanto lontani tra loro: la drammatica routine quotidiana con cui la BPM è costretta a convivere, fatta di stupri, violenze sui minori e casi di abbandono, e una riflessione sull’apparente e necessaria normalità di un gruppo di agenti, costretti a confrontarsi ogni giorno con l’impalpabilità delle loro vite e alla continua e disperata ricerca di una boccata d’ossigeno dall’orrore quotidiano. E poi c’è un pregio, un grande pregio: dalla sua, infatti, la Maiwenn non cede mai alla tentazione di trascinare lo spettatore in una riflessione asettica sull’orrore, fatta di lacrime facili e situazioni portate volutamente all’estremo. La regista, infatti, preferisce utilizzare l’incredibile effetto realismo per analizzare e vivisezionare due realtà dure, durissime, che, paradossalmente, sono costrette ad intrecciarsi e che condividono ben più di un punto di contatto. Chapeau.

…in un tweet: Ci sono film che scivolano via, e poi ci sono film come Polisse che ti piombano sui denti come una mazza chiodata.

Ogni nuovo film di David Fincher suscita sempre grande attesa, inutile negarlo, così neppure questo primo capitolo della trilogia Millennium – nata dalla fantasia di un giornalista che scriveva romanzi per hobby, morto troppo giovane senza potersi godere una sola fetta dell’enorme successo prodotto dalla sua opera – può sottrarsi alla regola, nonostante un predecessore potenzialmente scomodo come la trasposizione di Uomini che odiano le donne datata 2009 e firmata dal danese Niels Arden Oplev.

Solo che l’ultimo film di Fincher è molto più del classico remake “all’americana” di un film europeo di successo, dal momento che riesce nel duplice intento di rimanere fedele all’impostazione del romanzo di Larsson, mantenendo inalterate l’ambientazione così come le radici culturali dell’opera, senza tralasciare l’elemento caratteristico che ti aspetti da uno come Fincher: il tocco di classe, la profondità di vedute che solo il vero autore può offrire, sia a livello di regia, tecnicamente eccelsa (nei momenti più tipicamente “fincheriani”, come la sequenza dell’inseguimento del rapinatore nella metropolitana, così come in quelli più disturbanti, vedi la terrificante scena dello stupro a casa del tutore di Lisbeth), che a livello di scrittura, grazie alla quale lo spettatore arriva senza intoppi al nocciolo del discorso: la consapevolezza che il potere non può sussistere senza sviluppare un proprio lato oscuro, e l’amara constatazione che nemmeno la più sacra fra le istituzioni – la famiglia – è al riparo dai germi della follia omicida.
Niente di nuovo sotto il sole, direte voi. Può darsi, tuttavia in oltre due ore e mezzo di film il divertimento non manca. Non è poco.

…in un tweet: Ci sono uomini che odiano le donne, e ci sono registi che sanno farti amare il cinema: David Fincher appartiene senz’altro alla seconda categoria.

Nella foto, J. Losey

La retrospettiva della 30sima edizione del Torino Film Festival, che si svolgerà a Torino nella seconda metà di novembre, sarà dedicata a Joseph Losey.

Saranno presentati i 37 lungometraggi e cortometraggi diretti dall’autore, considerato uno dei maggiori autori cinematografici degli anni ‘60 e ‘70, un maestro dello scavo psicologico, sociale ed esistenziale alla pari di Bergman e Antonioni.

Nella foto, T. Hanks

Tom Hanks e Jennifer Lopez affiancheranno Billy Crystal sul palco del Kodak Theathre di Los Angeles nella serata degli Oscar il prossimo 26 febbraio.

Un onore per l’attore, che si è aggiudicato due volte consecutive la prestigiosa statuetta nel ‘93 e nel ‘94 per Philadelphia e Forrest Gump. Inoltre, l’ultimo film di Tom Hanks, Extremely Loud & Incredibly Close è candidato come nella categoria miglior film.

Nella foto, il regista M. Bellocchio

Contornate da non ben poche polemiche, hanno preso il via a Cividale del Friuli le riprese della nuova pellicola diretta da Marco Bellocchio, Bella addormentata, ispirata alla storia di Eluana Englaro.

I protagonisti sono Alba Rohrwacher, Toni Servillo, Michele Riondino e Piergiorgio Bellocchio. Il primo ciak è stato battuto in una villa appena fuori Cividale del Friuli in provincia di Udine, dove le riprese proseguiranno per dieci giorni, prima di approdare nel capoluogo friulano.

Nella foto, la locandina di "The Help"

The Help è il grande trionfatore dei Sag Awards, i premi assegnati dal sindacato degli attori a Hollywood.

Emma Stone, Viola Davis, Octavia Spencer, Bryce Dallas Howard e Jessica Chastain: questa la cinquina di grandi attrici che hanno permesso alla pellicola  diretta da Tate Taylor, di conquistare il riconoscimento come miglior cast, l’equivalente, per i Sag, del miglior film. Migliore attrice proprio la protagonista di The Help Viola Davis, mentre invece per la categoria miglior attore  conquista un premio Jean Dujardin, interprete di The Artist.

Nella foto, il logo del Sundance 2012

Sono stati annunciati i vincitori dell’edizione 2012 del Sundance Film Festival, il festival prestigioso creato da Robert Redford e dedicata al cinema indipendente.

Il Premio della Giuria per il Miglior film drammatico è andato a Beasts of the Southern Wild, opera prima scritta e diretta del 29enne Benh Zeitlin, con protagonista una bambina di otto anni. Per quanto riguarda la sezione Documentari, ad aggiudicarsi il premio è Eugene Jarecki con The House I Live In, un’ interessante indagine sulla fallimentare lotta alla droga negli USA.

Sono invece andati a The Surrogate di Ben Lewin il Premio della Giuria per il Miglior cast e il Premio del Pubblico per il Miglior film drammatico. Durante l’edizione di quest’anno, sono stati presentati 117 lungometraggi, film di vario genere provenienti da 30 Paesi diversi e 45 pellicole di registi esordienti. E ancora: 24 i film in concorso, 64 le prime assolute, così come 64 sono stati i cortometraggi presentati.

Per tutti gli altri premi rimandiamo al sito ufficiale.

ACAB è l’esordio cinematografico del figlio d’arte Stefano Sollima, già noto per la serie tv di Romanzo Criminale, ma è anche l’acronimo di All cops are bastard motto nato dai 4-Skins (gruppo rock inglese anni Settanta) e diventato un urlo di odio tra gli ultras. Il film è un’opera che ha il pregio di raccontare, attraverso il pedinamento delle quattro storie particolari dei protagonisti, le frange oscure della violenza, viscerale e virale. Violenza che si nutre di contraddizioni perenni, individuali e sociali, porto franco di quella stessa legge che da un lato, segretamente, la legittima e dall’altro la condanna. Il compito della squadra mobile della Polizia è quello di mantenere l’ordine e attaccare solo se attaccati, difficile quando in gioco c’è la sopravvivenza stretta dalle cordate della Legge, da un lato, e dell’istinto, dall’altra. Con una regia asciutta e realistica ACAB ha il pregio di raccontare da vicino il reparto mobile della Polizia. Rivitalizza un genere, il poliziesco, ormai desueto in Italia, caricandolo di uno sguardo attento anche ai momenti più intimi, contraddittori e privati dell’uomo. La cronaca e il documentario dialogano con un cinema di genere e l’effetto è un pugno nello stomaco, il racconto nudo e puro delle diverse accezioni della miseria umana e dell’irrazionale su cui ogni potere trova a fondarsi.

…in un tweet: ACAB è un film che aspettavamo da tempo, dove l’estetica si misura con l’etica regalandoci momenti di rabbia, di commozione e di ilarità, e ponendoci di fronte a quesiti universali.

«Come si fa a non essere romantici con il baseball?», si chiede l’ex giocatore Billy Beane, ora general manager di una squadra minore. Davanti a una domanda tanto retorica sembrerebbe già di vederlo, questo Moneyball: tutto epica sportiva, brocchi che sanno fare squadra alla sporca ultima dozzina e momenti di gloria in ralenti. Invece no. L’arte di vincere, questo il titolo italiano, è 5% di baseball giocato e 95% di baseball parlato. Principalmente si parla appunto di numeri, di soldi e stipendi, di valori e percentuali di rendimento dei giocatori, secondo il rivoluzionario modello matematico messo a punto da Michael Lewis, sorta di beautiful mind delle statistiche sportive e autore del libro su cui si basa la sceneggiatura. È meglio fare un esempio: c’è una scena in cui Brad Pitt e Jonah Hill (prima d’ora specializzato nel ruolo dell’adolescente arrapato in alcune celebri commedie teen) gestiscono una sorta di contrattazione triangolare, una compravendita di giocatori con alcuni manager di altre squadre, il tutto al telefono. Detto così, può sembrare un passaggio altamente anticinematografico, e invece è una delle scene più godibili del film (in sala ridevamo in molti). A scoprire le carte, ovviamente, si trovano alla sceneggiatura due fuoriclasse come Steven Zaillian (Schindler’s List e Gangs of New York, per dire) e Aaron Sorkin (The Social Network, ultimamente). Per parte sua il regista (qui all’opera seconda dopo Truman Capote – A sangue freddo) adotta un punto di vista coraggioso e sta nel backstage, tra uffici e spogliatoi, dove le partite si vedono in tv e si analizzano su un monitor.

La scelta di campo è tanto decisa che non abbiamo nemmeno modo di vedere in azione l’allenatore, anche se è Philip Seymour Hoffman. Proprio alla fine, però, e proprio come il suo protagonista, Bennett Miller perde un po’ di determinazione e cede, mettendo fuori il naso sul diamante e rischiando di portare sfortuna alla pellicola, come Beane alla squadra. A parte questa debolezza, comunque, non essere romantici con il baseball paga.

…in un tweet: film sul baseball parlato senza momenti di gloria. Una storia vera per chi di baseball non capisce assolutamente nulla.

I titoli di testa di questo quarto capitolo della serie dedicata all’agente Ethan Hunt, una specie di bignami a 24x delle principali scene del film, sono una promessa mantenuta: seguiranno più di 120 minuti di azione mozzafiato senza ellissi né flashback, un movimento tanto incessante che perfino la base operativa della squadra è il vagone di un treno in corsa. Nei fugaci momenti di decompressione una manciata di battute e gag indovinate provvedono a tenere alto il ritmo, che non viene rallentato nemmeno dalla sottotrama più intima e mélo riguardante il dolore di Hunt per la perdita della moglie in una missione passata.

Abituato a maneggiare corpi di carta e pixel il regista Brad Bird, premio Oscar per Gli incredibili e Ratatouille qui per la prima volta alle prese con la live action, sembra quasi non curarsi della differenza: dopo essere stati scaricati da tutti, gli agenti non possono più contare sulla tecnologia all’avanguardia fornita loro dal governo e devono perciò cavarsela in più di un’occasione con mezzi se non proprio di fortuna di certo non all’avanguardia, difettosi e imperfetti; è allora che lo strumento più affidabile di tutti si rivela essere ancora una volta il corpo allenato di un Tom Cruise prossimo ai 50 anni (!), sorta di Mr. Incredibile indistruttibile e in perfetta forma, “naturale” anche a 800 metri da terra sul grattacielo più alto del mondo.

Consiglio disinteressato: chi può lo veda in una sala IMAX, chè le scene più spettacolari sono state girate in questo formato ad alta risoluzione e fanno venire proprio i brividi.

…in un tweet: Brad Bird mette insieme una squadra di Incredibili in carne ed ossa e incolla alla poltrona per più di due ore.