Ci sono film che scivolano via, e poi ci sono film come Polisse che ti piombano sui denti come una mazza chiodata. La pellicola – vincitrice del Premio della Giuria alla scorsa edizione del Festival del Cinema di Cannes – nasce dalla curiosità della regista Maiwenn Le Besco, rimasta colpita dalla visione in tv di un documentario dedicato alla BPM (Brigade de Protection des Mineurs, brigate per la protezione dei minori, ndr.). Ed è proprio dal documentario che Maiwenn – qui, non a caso, anche attrice, nel ruolo della silenziosa fotografa che documenta a colpi di flash la vita della squadra speciale – recupera l’uso di una camera a mano sporca, che, al tempo stesso, si pone come spettatore taciturno alle spalle dei personaggi che vuole raccontare.

Un film, Polisse, che lavora su due piani narrativi in realtà non tanto lontani tra loro: la drammatica routine quotidiana con cui la BPM è costretta a convivere, fatta di stupri, violenze sui minori e casi di abbandono, e una riflessione sull’apparente e necessaria normalità di un gruppo di agenti, costretti a confrontarsi ogni giorno con l’impalpabilità delle loro vite e alla continua e disperata ricerca di una boccata d’ossigeno dall’orrore quotidiano. E poi c’è un pregio, un grande pregio: dalla sua, infatti, la Maiwenn non cede mai alla tentazione di trascinare lo spettatore in una riflessione asettica sull’orrore, fatta di lacrime facili e situazioni portate volutamente all’estremo. La regista, infatti, preferisce utilizzare l’incredibile effetto realismo per analizzare e vivisezionare due realtà dure, durissime, che, paradossalmente, sono costrette ad intrecciarsi e che condividono ben più di un punto di contatto. Chapeau.

…in un tweet: Ci sono film che scivolano via, e poi ci sono film come Polisse che ti piombano sui denti come una mazza chiodata.

Ogni nuovo film di David Fincher suscita sempre grande attesa, inutile negarlo, così neppure questo primo capitolo della trilogia Millennium – nata dalla fantasia di un giornalista che scriveva romanzi per hobby, morto troppo giovane senza potersi godere una sola fetta dell’enorme successo prodotto dalla sua opera – può sottrarsi alla regola, nonostante un predecessore potenzialmente scomodo come la trasposizione di Uomini che odiano le donne datata 2009 e firmata dal danese Niels Arden Oplev.

Solo che l’ultimo film di Fincher è molto più del classico remake “all’americana” di un film europeo di successo, dal momento che riesce nel duplice intento di rimanere fedele all’impostazione del romanzo di Larsson, mantenendo inalterate l’ambientazione così come le radici culturali dell’opera, senza tralasciare l’elemento caratteristico che ti aspetti da uno come Fincher: il tocco di classe, la profondità di vedute che solo il vero autore può offrire, sia a livello di regia, tecnicamente eccelsa (nei momenti più tipicamente “fincheriani”, come la sequenza dell’inseguimento del rapinatore nella metropolitana, così come in quelli più disturbanti, vedi la terrificante scena dello stupro a casa del tutore di Lisbeth), che a livello di scrittura, grazie alla quale lo spettatore arriva senza intoppi al nocciolo del discorso: la consapevolezza che il potere non può sussistere senza sviluppare un proprio lato oscuro, e l’amara constatazione che nemmeno la più sacra fra le istituzioni – la famiglia – è al riparo dai germi della follia omicida.
Niente di nuovo sotto il sole, direte voi. Può darsi, tuttavia in oltre due ore e mezzo di film il divertimento non manca. Non è poco.

…in un tweet: Ci sono uomini che odiano le donne, e ci sono registi che sanno farti amare il cinema: David Fincher appartiene senz’altro alla seconda categoria.

«Come si fa a non essere romantici con il baseball?», si chiede l’ex giocatore Billy Beane, ora general manager di una squadra minore. Davanti a una domanda tanto retorica sembrerebbe già di vederlo, questo Moneyball: tutto epica sportiva, brocchi che sanno fare squadra alla sporca ultima dozzina e momenti di gloria in ralenti. Invece no. L’arte di vincere, questo il titolo italiano, è 5% di baseball giocato e 95% di baseball parlato. Principalmente si parla appunto di numeri, di soldi e stipendi, di valori e percentuali di rendimento dei giocatori, secondo il rivoluzionario modello matematico messo a punto da Michael Lewis, sorta di beautiful mind delle statistiche sportive e autore del libro su cui si basa la sceneggiatura. È meglio fare un esempio: c’è una scena in cui Brad Pitt e Jonah Hill (prima d’ora specializzato nel ruolo dell’adolescente arrapato in alcune celebri commedie teen) gestiscono una sorta di contrattazione triangolare, una compravendita di giocatori con alcuni manager di altre squadre, il tutto al telefono. Detto così, può sembrare un passaggio altamente anticinematografico, e invece è una delle scene più godibili del film (in sala ridevamo in molti). A scoprire le carte, ovviamente, si trovano alla sceneggiatura due fuoriclasse come Steven Zaillian (Schindler’s List e Gangs of New York, per dire) e Aaron Sorkin (The Social Network, ultimamente). Per parte sua il regista (qui all’opera seconda dopo Truman Capote – A sangue freddo) adotta un punto di vista coraggioso e sta nel backstage, tra uffici e spogliatoi, dove le partite si vedono in tv e si analizzano su un monitor.

La scelta di campo è tanto decisa che non abbiamo nemmeno modo di vedere in azione l’allenatore, anche se è Philip Seymour Hoffman. Proprio alla fine, però, e proprio come il suo protagonista, Bennett Miller perde un po’ di determinazione e cede, mettendo fuori il naso sul diamante e rischiando di portare sfortuna alla pellicola, come Beane alla squadra. A parte questa debolezza, comunque, non essere romantici con il baseball paga.

…in un tweet: film sul baseball parlato senza momenti di gloria. Una storia vera per chi di baseball non capisce assolutamente nulla.

I titoli di testa di questo quarto capitolo della serie dedicata all’agente Ethan Hunt, una specie di bignami a 24x delle principali scene del film, sono una promessa mantenuta: seguiranno più di 120 minuti di azione mozzafiato senza ellissi né flashback, un movimento tanto incessante che perfino la base operativa della squadra è il vagone di un treno in corsa. Nei fugaci momenti di decompressione una manciata di battute e gag indovinate provvedono a tenere alto il ritmo, che non viene rallentato nemmeno dalla sottotrama più intima e mélo riguardante il dolore di Hunt per la perdita della moglie in una missione passata.

Abituato a maneggiare corpi di carta e pixel il regista Brad Bird, premio Oscar per Gli incredibili e Ratatouille qui per la prima volta alle prese con la live action, sembra quasi non curarsi della differenza: dopo essere stati scaricati da tutti, gli agenti non possono più contare sulla tecnologia all’avanguardia fornita loro dal governo e devono perciò cavarsela in più di un’occasione con mezzi se non proprio di fortuna di certo non all’avanguardia, difettosi e imperfetti; è allora che lo strumento più affidabile di tutti si rivela essere ancora una volta il corpo allenato di un Tom Cruise prossimo ai 50 anni (!), sorta di Mr. Incredibile indistruttibile e in perfetta forma, “naturale” anche a 800 metri da terra sul grattacielo più alto del mondo.

Consiglio disinteressato: chi può lo veda in una sala IMAX, chè le scene più spettacolari sono state girate in questo formato ad alta risoluzione e fanno venire proprio i brividi.

…in un tweet: Brad Bird mette insieme una squadra di Incredibili in carne ed ossa e incolla alla poltrona per più di due ore.

Come Hunger, il primo lungometraggio del video artista inglese Steve McQueen ingiustamente non distribuito in Italia, anche Shame è un prison movie. Solo che qui la prigione nasce dentro la testa di Brandon (interpretato da Michael Fassbender in stato di grazia) ed è fatta di sesso, corpi nudi, masturbazioni ossessive, impulsi incontrollabili e coiti ricercati con ferocia. Una gabbia formatasi chissà dove e chissà quando, le cui sbarre umide si intrecciano indissolubilmente con il corpo e l’anima fracassata di sua sorella Sissy, cantante squattrinata con tendenze suicide interpretata dalla strepitosa Carey Mulligan, (che, tra le altre cose, si esibisce in un’eccezionale e languida versione di New York, New York). Il pericoloso sconfinare del legame fraterno nei luoghi dell’incesto non viene mai esplicitato ma sempre sussurrato e spunta minaccioso come la punta di un iceberg attraverso sguardi, gesti, inquadrature dei due spesso ripresi di spalle e intensi frammenti di dialoghi come “Non siamo cattivi, veniamo solo da un brutto posto”.

Sullo sfondo di una New York dolente, disperata e bellissima, McQueen mette in scena un dolore che ha il sapore e l’odore del sesso, un sesso realistico che si fa narrazione, sempre denso di significato e capace di raccontare l’intrecciarsi di Eros e Thanatos, che esplodono sul volto di Fassbender deformato dall’orgasmo al confine tra la vita e la morte, il dolore e il piacere.

…in un tweet: Il sesso più vergognosamente significativo della vostra vita (cinematografica).

Montaldo ritorna alle tematiche sociali e civili a lui care, per raccontare la crisi. Ma gli manca il coraggio di osare, di scostarsi da modelli e da cliché che sembrano duri a morire nel cinema nostrano: l’idea familista dell’industria, con l’anziano operaio che conosce il giovane padrone da quando era bambino; il buon rumeno povero-ma-felice; la suocera ricca e talmente spocchiosa da sembrare quasi una caricatura; la sceneggiatura che a tratti risulta “telefonata”, che non rinuncia a verbalizzare i sentimenti, con risultati talvolta stridenti nella loro ovvietà (il “lui mi sapeva ascoltare” della Crescentini). Anche la crisi, ridotta a sfondo rispetto all’intreccio sentimentale, è poco più di qualche immagine di scioperanti. Il film non osa quanto potrebbe, rinuncia a un punto di vista forte e sacrifica la bravura degli interpreti, la bella rappresentazione di una Torino livida e  gonfia di pioggia, e certi spunti narrativi più che validi alla comprensibilità ed esemplarità della vicenda, che si risolve frettolosamente. Peccato.

…in un tweet: Montaldo tocca alcuni nervi scoperti dell’attuale condizione economica e sociale del Paese, ma non riesce ad andare fino in fondo

In concorso al Festival di Venezia 2011, il film è uno spy-story tratto da uno tra i più importanti romanzi di John Le Carré, La Talpa.

Se si supera l’iniziale percezione di noia e di lentezza che pervade l’opera (seconda del regista svedese Tomas Alfredson), dove solo per arrivare ai titoli di testa passano una decina di minuti, questo film ci dà la possibilità di proiettarci nelle cupe e fumose atmosfere di una Londra anni Settanta. Il panorama è quello della Guerra Fredda. E alle rarefazioni dell’intuito nella ricerca d’indizi, sempre sfuggenti, si aggiunge una fotografia formalmente impeccabile che pare ritrarre i personaggi muoversi come dentro una partita a scacchi. In questo gioco, anche lo spettatore è una pedina di poco vicina alla verità in continua fuga. E paradossalmente gli spazi chiusi si misurano con quelli aperti in una partita che tende verso lo scacco matto. Se nei primi è la luce (a tratti cupa ad altri così forte da risultare rarefatta) ad opporci una visione totale, negli spazi aperti sono i giochi di sguardi e di movimenti a dirigere questa continua sensazione di fuggevolezza. Seppure privo di azione è un film carico di tensioni emotive.

…in un tweet: Un film da assaporare seduti su di un divano chesterfield tra un sorso di wiskey e un tiro di sigaro. ]]> http://www.duellanti.com/2012/01/la-talpa/feed/ 11 http://www.duellanti.com/2012/01/j-edgar/ http://www.duellanti.com/2012/01/j-edgar/#comments Mon, 02 Jan 2012 09:34:16 +0000 Katiuscia Incarbone http://www.duellanti.com/?p=6669 La storia – Biopic sulla controversa figura di J. Edgar Hoover, fondatore dell’FBI.

La delusione nel vedere J. Edgar non risiede soltanto nel riscontrare che il ruolo del protagonista è stato affidato ad un Leonardo DiCaprio (ahimé) invecchiato e imbolsito, ma ha sede soprattutto nel doversi abituare (durante i 150 min di film) alla distruzione di un sex symbol, nella sua ormai diffusa canonizzazione estetica, parallelemente all’evolversi degli intrighi politici. E se da un lato, proprio per questo crescendo, l’attore dà prova di grande bravura nel riuscire a raccontare un personaggio duro quanto impaurito, astuto manipolatore eppure ricattabile per la sua presunta omosessualità. Dall’altro, Eastwood regista e Black sceneggiatore mancano di una chiara prospettiva narrativa. Il polpettone melodrammatico offusca l’apparato narrativo (e qualsiasi tentativo di indagine politico-sociologica) proprio nel momento in cui tenta di spiegare gli intrighi politici attraverso la psicoanalisi. Il film attraversa ben 48 anni di storia e 8 presidenze USA eppure ciò che rimane è il seguente quesito: Edgar Hoover è stata una figura così controversa a causa di un rapporto ossessivo con la madre e di un’omosessualità repressa? E sembra pure riduttivo fondare un’indagine sul personaggio a partire da come questi ha represso e inglobato nell’ingranaggio del potere le relazioni sentimentali più importanti della propria vita.

…in un tweet: in J. Edgar Clint Eastwood non riesce a dar voce a ciò che è invisibile agli occhi.

Celebrità in declino, ex mariti di Demi Moore, rockstar imbalsamate e una palla gigante che s’inceppa rischiando di mandare a monte il gigantesco evento che ogni 31 dicembre viene allestito a Times Square sono solo alcuni degli ingredienti che danno vita a Capodanno a New York, ultima fatica di Garry Marshall, uno che di commedie romantiche se ne intende (provate a pensare a quante volte negli ultimi dieci anni vi è capitato di schiacciare un tasto sul telecomando e di finire sintonizzati su una sequenza di Pretty Woman e ne avrete una vaga idea). Apparentemente il film vorrebbe sviluppare il tema della seconda possibilità con un’infilata di storie popolate da una manciata di star hollywoodiane (memorabile il personaggio del malato terminale interpretato da Robert De Niro, tra l’altro una metafora perfetta del momento attuale della sua carriera), ma la realtà è molto più diabolica di quel che sembra: rinunciando in partenza a ogni velleità narrativa, infatti, Marshall riesce nella difficile impresa di compiacere costantemente lo spettatore costruendo al contempo una gigantesca vetrina per l’esposizione degli sponsor di turno – tra i quali si distingue un famosissimo marchio di prodotti cosmetici, talmente presente all’interno del film da diventarne ben presto uno dei personaggi principali.

Molto più che un semplice cinepattone, Capodanno a New York è un esempio di comunicazione pubblicitaria talmente ben riuscito da diventare perfino piacevole. Nel suo genere, un capolavoro.

…in un tweet: se volete, potete iniziare a festeggiare il nuovo anno con Capodanno a New York. E, mi raccomando, non dimenticate di fare la lista dei buoni propositi.